과거의 언어를 미래의 감각으로 다시 부르는 예술적 제의 — 김도영의 ‘한글한옥’ 미학

글 이지현

한글은 한국인의 일상 언어이자, 우리 문화 정체성을 상징하는 기호 체계다. 그러나 한글은 여전히 문자와 언어의 영역에 머무르는 경우가 많다. 김도영의 작업은 바로 이 지점을 넘어선다. 그는 글자를 건축으로, 건축을 글자로 환원하는 독창적 방식을 통해 문자와 공간, 삶과 기억을 교차시키는 실험을 지속해 왔다. ‘한옥과 한글’을 주제로 한 김도영의 작업은 한옥의 구조적 특징 속에 깃든 삶의 이야기를 예술적으로 풀어내는 데서 출발한다. 그중에서도 ‘한옥한글’이라는 그만의 고유한 활자를 활용한 문자 작업의 세계는, 전통 건축의 미감을 언어로, 언어를 다시 공간으로 번역하는 독창적 미학을 보여준다. 이는 전통을 단순히 재현하거나 장식하는 수준을 넘어, 과거의 언어를 현재의 감각으로 해석하고, 개인의 기억과 공동체의 정체성을 예술적 공간으로 재구성하는 동시대적 실험이라 할 수 있다.

그의 회화는 민화의 다시점을 계승한다. 한 화면 안에서 하늘에서 내려다보는 부감법과, 땅에서 바라보는 평원법이 공존한다. 이는 원근법의 통일을 거부한 민화 특유의 시선, 즉 자유롭고 분방한 구성의 미학을 한옥의 구조미 속에 끌어들인 결과다. 그가 그린 한옥은 민화의 해방된 시선과 한옥의 질서미가 교차하는 자리에서 새로운 균형을 찾는다. 한지 위에 분채를 여러 겹 올려 쌓는 채색 기법은 시간의 켜를 쌓듯 밀도 있는 감성을 만들어내며 그의 화면은 한국적 정서와 기억이 겹겹이 배어 있는 ‘조용한 풍경’으로 완성된다. 김도영은 한옥의 기와 형태를 빌려 한글의 자음과 모음 구조를 구축하고, 마당·대청마루·안방·사랑방 등 한옥의 공간 안에 우리네 삶의 이야기를 은유적으로 담담히 담아낸다. 그렇게 만들어진 한옥 모양의 한글은 다시 자음과 모음의 활자로 재탄생하며, 문자와 건축, 예술과 일상이 맞닿는 새로운 언어적 풍경을 만들어낸다.

2025 한글 국제 프레-비엔날레의 한글문화특별기획전 공모 선정작 〈오! 마주한 글, 오마주 한글은 그동안 작가가 한글 작업을 통해 연구하고 시도해온 미학이 응축된 결정체다. 특히 이번 설치작업에서 그의 세계는 완전히 다른 차원으로 확장된다. 작품은 평면의 문자도가 공간으로 확장되며, 옛 훈민정음과 오늘날 한글이 어떻게 이어지고 확장되는지를 시각적으로 보여준다. 전시의 첫장면을 구성하는 ‘훈민정음 서문의 흑백의 문자도’는 훈민정음의 원형과 창제 정신을 현대적으로재해석한 작업이다. 이 문자도는 ‘한옥한글’의 자음과 모음 순으로 나열하여 오른쪽에서 왼쪽으로 쓰는 고전 서예의 흐름을 따른다. 반대편은 컬러풀한 현대적 감각으로 전환되어 과거와 현재, 문자와 공간이 한 축에서 만난다. 자연스레 이어지는 공중의 한글 모빌 조형물은 빛의 각도에 따라 자음과 모음의 색이 변화하며, 한글이 단순한 문자가 아니라 살아 있는 생명체이자 감각적 에너지를 지닌 존재임을 드러낸다. 관람객은 각도에 따라 다른 글자가 보이는 모빌을 통해 스스로 빛나는 문자를 찾아가게 되고, 그움직임 자체가 언어와 감각의 교차로로 작동한다. 별처럼 빛나는 ‘한글’의 자모음과 공중에 매달린 모빌 형태의 한글 조형물은 ‘갇혀 있던 문자’가 빛과 함께 확장되는 이미지를 상징한다. 그리고 작품의 중심에는 ‘우주를 품은 벼루’가 놓여 있다. 바닥의 ‘우주를 품은 벼루’는 한글 창제의 근원적 사유가 땅에서 하늘로 향하는 상승의 에너지를 담고, 벼루 안에서 빛나고 있는 ‘한글’과 수면 위로 비추는 인물의 형상은 한글과 인간이 공존하는 세계를 그린다. 이렇게 김도영의 설치 작업은 관람자를 작품의 내부로 끌어들이는 참여적 공간 예술로 확장된다.

이로써 제목의 언어유희 ― ‘오마주 한글’이자 ‘오! 마주한 글’ ― 은 감탄과 헌정의 중의적 의미를 품으며, 한글 창제의 정신인 ‘소통과 상생’을 동시대의 감각으로 되살린다. 이 작품은 과거의 언어를 미래의 감각으로 다시 부르는 예술적 제의 이자, 한국적 미감과 철학이 공존하는 조형적 선언이다. 이처럼 김도영의 실험은 평면에 머물지 않는다. 그는 한옥과 한글을 공간적 구조로 전환하며, 설치·전각·미디어아트를 넘나드는 시도를 통해 문자와 건축, 언어와 공간을 연결하는 새로운 예술적 차원을 열어가고 있다. 그의 작업은 ‘한글한옥’의 미학을 기반으로 지금 이 순간에도 확장되고 있는 현재진행형의 예술적 실험이다. 

김도영의 예술은 한글이라는 민족적 상징을 개인의 경험과 공동체의 기억으로 확장시키며, 전통을 동시대의 언어로 번역하는 미학적 실험이다. 그는 한옥을 읽고, 한글을 짓는다. 그렇게 재구성된 문자와 공간은 단순한 미적 오브제가 아니라, 우리의 삶을 되돌아보게 하는 기억의 장소이자 공동체적 상징이 된다. 문자에서 건축으로, 건축에서 삶으로 이어지는 그의 여정은 한국 미술이 전통을 품은 채 동시대성과 만나는 하나의 방법론을 제시한다. 김도영의 ‘한글한옥’은 결국 과거와 현재를 잇는 다리이자, 한국적 미감을 새롭게 해석한 시각 언어로 자리하고 있다. 그의 이러한 행보는 언어와 예술, 교육과 감각을 잇는 다층적 예술 생태계의 가능성을 제시한다. 

앞으로 그의 작업은 그동안 시도해온 ‘아리랑’, 윤동주의 시, ‘용비어천가’, ‘훈민정음 서문’ 등 한옥한글을 활용한 한글 문학의 다양한 시각화 작업을 기대해본다. 문자 작업 외에도 꾸준히 시도하고 있는 회화와 설치, 문자와 미디어 등 다양한 매체의 융합을 통해, 과거의 전통을 미래의 감각으로 번역하며 동시대 예술로 확장하는 시도도 이어가리라 본다. ‘한옥한글’의 또 다른 결과물인 그림책 또한 어린이들에게 한글과 전통의 아름다움을 자연스럽게 체험하게 하고, 그 경험이 미래 세대의 한글 감수성과 문화적 상상력의 토대가 되고 있다. 그의 이러한 행보는 한글과 예술, 교육과 감성을 잇는 다층적 예술 생태계의 가능성을 보여준다. 그리고 그 가능성이야말로 앞으로 김도영이라는 작가가 열어갈 새로운 ‘한글한옥’의 세계를 더욱 기대하게 만든다.

An Artistic Ritual Recalling the Language of the Past Through the Sensibilities of the Future

— The Aesthetics of Kim Do-young’s Hangeul Hanok

Text by Lee Ji-hyun

Hangeul is both the everyday language of Koreans and a symbolic system that embodies cultural identity. Yet it has often remained confined to the realm of writing and linguistics. Kim Do-young’s artistic practice moves decisively beyond this boundary. Through an original methodology that translates letters into architecture and architecture back into letters, she has continuously explored the intersections of text and space, memory and lived experience. Centered on the relationship between hanok and Hangeul, her work begins with an artistic reading of the narratives embedded within the structural logic of traditional Korean houses. In particular, her typographic system known as Hangeul Hanok articulates a unique aesthetic that reinterprets architectural sensibility as language and reconfigures language as spatial form. Rather than reproducing tradition, Kim reframes the language of the past through contemporary perception, reconstructing personal memory and collective identity as an experiential artistic space.

Kim’s paintings inherit the multi-perspectival vision of Korean folk painting (minhwa). Aerial viewpoints coexist with ground-level perspectives within a single composition, echoing minhwa’s refusal of unified linear perspective in favor of liberated and intuitive vision. This visual freedom is interwoven with the structural order of the hanok, producing a new equilibrium between looseness and discipline. Her layered application of mineral pigments on hanji paper accumulates emotional density, evoking the sedimentation of time. The resulting images form quiet, contemplative landscapes permeated with Korean sensibility and memory. Drawing on the forms of roof tiles, Kim constructs the consonant–vowel system of Hangeul, embedding metaphorical narratives of everyday life within hanok spaces such as the courtyard, wooden hall, inner quarters, and reception rooms. These hanok-shaped letters are subsequently reconstituted as typographic units, generating a linguistic landscape where text and architecture, art and daily life, converge.

Selected for the Hangeul Culture Special Exhibition of the 2025 International Hangeul Pre-Biennale, Oh! The Letter We Face — Homage to Hangeul represents a culmination of Kim’s sustained inquiry into Hangeul-based visual language. In this installation, her practice expands fully into the spatial realm. Flat letter compositions unfold into three-dimensional space, visually tracing the continuity and transformation between the original Hunminjeongeum and contemporary Hangeul. The exhibition opens with a black-and-white typographic composition derived from the Hunminjeongeum Preface, reinterpreting its foundational form and philosophical ethos. Arranged according to the consonant–vowel order of Hangeul Hanok and following the traditional right-to-left calligraphic flow, the work establishes a dialogue with history. Opposite it, a vibrant, chromatic installation introduces a contemporary sensibility, aligning past and present along a single spatial axis.

Suspended Hangeul mobile sculptures extend this dialogue into the air. Responding to shifts in light and viewpoint, their colors transform continuously, presenting Hangeul not as a static script but as a living, kinetic entity. As viewers move through the space, different letters emerge and recede, turning bodily movement into an act of reading. The star-like consonants and vowels, liberated from fixed surfaces, symbolize letters once confined now expanding through light and motion. At the center of the installation rests The Inkstone Embracing the Universe. Positioned on the floor, it embodies the upward, cosmological energy embedded in the creation of Hangeul. Within the inkstone, luminous letters and reflected human figures suggest a world in which language and humanity coexist in mutual resonance. Through this configuration, Kim’s work becomes participatory spatial art, drawing viewers into an immersive field of language and perception.

The title’s wordplay—both Homage to Hangeul and Oh! The Letter We Face—carries a dual meaning of reverence and exclamation, reactivating Hangeul’s founding spirit of communication and coexistence through contemporary form. The work functions as an artistic ritual that summons the language of the past through the sensibilities of the future, and as a sculptural declaration in which Korean aesthetics and philosophy converge.

Kim Do-young’s practice is not confined to the pictorial plane. By transforming hanok and Hangeul into spatial structures, and by traversing painting, installation, seal carving, and media art, she opens a new artistic dimension that connects language and architecture, script and lived space. Grounded in the evolving aesthetics of Hangeul Hanok, her work remains an ongoing experiment—one that continuously expands across media and scale.

Ultimately, Kim’s art extends Hangeul, a national symbol, into the realms of personal experience and collective memory, translating tradition into a contemporary visual language. She reads hanok and constructs Hangeul. The resulting forms are not merely aesthetic objects but sites of memory and communal reflection. Her trajectory—from letter to architecture, from architecture to life—offers a compelling methodology for how Korean art can engage contemporaneity while remaining rooted in tradition. Hangeul Hanok thus stands as a bridge between past and present, proposing a renewed visual language for Korean aesthetics and pointing toward a multilayered artistic ecosystem that connects language, art, education, and sensory experience.